第73届柏林电影节，新海诚导演的新片《铃芽之旅》亮相主竞赛单元，将角逐金熊奖。这也是本届柏林主竞赛唯一一部日本电影，同时也是三部东亚地区的电影之一。作为新海诚首次进驻国际三大A类电影节主竞赛单元的作品，这次我们看到了他创作走向上清晰的转变。

影片《铃芽之旅》在柏林电影节完成首映后，便迅速地冲到总评分榜的榜首，甚至还超过此前口碑大爆的《过往人生》。

电影《铃芽之旅》剧组亮相柏林电影节

影片《铃芽之旅》将于3月24日在国内上映

铃芽之旅：新海诚美学的“集大成”

视觉系：新海诚视听体系建立

影片《铃芽之旅》在视觉层面上依然维持了新海诚导演的惯有风格，干净、清新、唯美。而在此之前，新海诚便早已建立起自己出色的视听体系，来支撑这套系统的运作。他的视觉风格介乎于现实与虚幻之间，在日本动画界自成一派。而支撑这套视觉体系的，是新海诚电影的世界观设定。

电影《铃芽之旅》柏林发布会

纵观新海诚导演的动画作品，现实与虚幻的关系往往都是相辅相成的。影片《秒速五厘米》中，新海诚既关照于现实，同时他又建立起虚幻的世界观，用科幻元素去填补现实缝隙。他以三维空间的时空元素包括时间、空间作为构成整部动画作品的基本要素，承担着十分重要的意义。同时，新海诚还用时间延展的概念，拓宽了二维平面表达的维度。

2007《秒速五厘米》

影片《云之彼端，约定之地》则是以“空间堆叠”的方式来进行延展；与此同时，他还在事件的时间轴上多加了一个向回穿行的时间线，让时间与空间产生重叠的感觉。

这种构建空间的方式，在2011年那部《追逐繁星的孩子》和国内票房大爆的《你的名字。》中运用地更为自如。但在《你的名字。》当中，新海诚加入了更为恒定的量，即整个宇宙。但是新海诚的宇宙是发生在六维空间的宇宙，尽管恒定，却依然产生了时间与空间的交叠。

2016《你的名字。》

新海诚通过科幻设定构建“奇观”，是一种典型的现代存在主义哲学的思考方式。时间的延展性和空间的并行性，是现代存在主义哲学的基础，由此线性时间和唯一空间完全失去了存在的意义。但这恰恰就是新海诚作品中最核心的设定，正如宇宙的多维理论一样，新海诚眼中的世界具有无限层次的、能被不断打破的边界，可以无限地延展和颠覆。

2019《天气之子》

影片《天气之子》与前作均有较大的不同，但在视觉与空间构建的设定上，他采用的是空间的交互与堆叠。“门”的概念被首次引入到他的电影中，将影片的空间层次向内深挖了一步。

新海诚的新作《铃芽之旅》延续了这种堆叠方式，并直接加在时间之上；可以看出，新海诚导演的美学构建体系发生了细微的转变，维度上从少到多递进式增加，并让整个故事在一种看似线性、实则跳跃的节奏中前进。这可以看作是新海诚导演对自我的继承与修补。

2023《铃芽之旅》

世界观构建：磨灭现实与存在之间的界限

新海诚的美学体系，看似是“写实”，实则是“写意”。影片《铃芽之旅》中，处处都是意象化的描摹，这些描摹都是利用特定空间去构造，并且有着浓重的形而上意味。简言之，它们都是历史的碎片。

新海诚显然很喜欢捡拾这些历史的碎片，并用它们去拼凑完整的电影地图。影片《你的名字。》中被原子弹轰炸过的广岛与这次《铃芽之旅》中被关东大地震摧毁过的东京，并列形成历史的轴线。这就是新海诚要拼凑的故事。

影片《铃芽之旅》还相当多地利用“废墟”作为表现空间。当我们跟随主角的视角进入到废墟中，现实与虚幻发生互换，由此便进入到新海诚精心设置的视听“结界”。紧接着，又被声音与色彩制造的强烈吸入力量所包裹。再之后，“进入”便开始循环往复，在螺旋中不断上升。这样的视听设计，既是对前作《天气之子》“门”的继承，也是对《你的名字。》闪回的发扬。

而废墟正是历史碎片的具象化存在，将虚无的事物转为具象的形态，这类似于泰国导演阿彼察邦在《热带疾病》和《幻梦墓园》中的处理方法。提取历史碎片的灵魂，并将其展现为最合适的形象，再用某种介乎抽象和具体之间的视听语言表达出来，但实质上却并不模糊，反而更为清晰。

观看《铃芽之旅》无疑是一个曼妙的过程，不单是影片强大的视听带来的震撼，更是一场梦幻之旅。我们回到海报中的那幕场景，四处都是水的废弃教室中间一座孤零零的门。这幕场景紧扣影片的日文原名《铃芽户缔》，直译为“铃芽关门”。这场梦境的开始和终止，都始于动作。

跟前作《天气之子》一样，新海诚在《铃芽之旅》中也时通过肢体语言的“进入”来构建世界。而有所不同的是，影片《天气之子》仅仅构建出了半个完整的世界，另外半个却迷失在失重的情感线当中，而《铃芽之旅》却成功地让整个世界与情感塑造捆绑到了一起，成功地拧为一体。

可以说，影片《铃芽之旅》在视听美学与结构构建上，是新海诚迄今为止最为成熟、也最为完整的作品；而这部影片的表达母题，也是新海诚作品序列中最为宏大的。其完整的视听和空间构建方式，完全为宏大的母题提供了支持。

由个体性向社会性过度：日本震后民族主义表达

观察新海诚导演的作品序列，在其影像语言系统越来越成熟的同时，影片的母题表达上则一直保持对社会的关注。《云之彼端，约定之地》是对战争后遗症的回望，直戳二战后日本民众的伤痕，借此对当下日本政坛的状况进行回应。特别是在去年，日本前首相安倍晋三被刺杀，政治环境持续恶化，这些作品对于日本来讲意义更为重要。

2004《云之彼端，约定之地》

影片《天气之子》于2019年上映，此时全球气候变暖已经成为非常严峻的灾难议题，这使得日本近年来水灾频频。而恰好在影片上映当年的九月，日本政府就公开表示，要将福岛核电站的核废水排入到太平洋。这两个环境议题相加之下，恰好与电影《天气之子》的诞生构成了机缘巧合。

2019《天气之子》

而这部《铃芽之旅》干脆将“伤痕”母题表现得为直白。影片涉及日本历史上两次最为严重的地质灾害，一次是发生于1923年的关东大地震，一次是发生于2011年的“3.11大地震”。

新海诚是一个典型的日本左派，连续两部作品都在回应右派提出的议题，都在努力追求找到一种可以弥合分歧的方式，并且能够软性地指出日本的一些民族根性。回想《天气之子》中森岛帆高在最后关键时刻的两难抉择，我个人把这看作是日本在民族性的自私与道德约束之间的抉择，亦可看作是日本民族性格“菊与刀”的两面。

《天气之子》中的森岛帆高

但这还仅仅只是软性的暗喻，到了《铃芽之旅》，新海诚干脆就直接放开手脚，把暗喻挑得更为明白。在《天气之子》及其以前的作品当中，显然新海诚更为重视个体情绪的表达，尽管那部《云之彼端，约定之地》也有宏大的历史背景和关涉反战的母题，但主体依旧是个体的、局部的。

而在《铃芽之旅》中，新海诚转而特别注重群像的刻画，故事里的每个人物都有丰富的前史和完整的生活境况描述。作为核心的铃芽的抉择远远超脱了个人的情感，我更倾向于认为，这是新海诚对日本灾后群体情绪的回应，这种抉择明显是具有共性的、而非个性的。由此完全可以看出，新海诚在创作关注点已然从个体上升到群体。

这种上升，反映在美学层面便是前文所说的结构性改变，即故事的视点始终在不断地跳动与游离，且时间线不断地在故事支线上倒回，更体现出与其一系列前作的不同之处。新海诚正是以这种方式，将人物情感彼此串联，形成群体情感的描摹。

而在纵深方向，新海诚则不断地叠加空间。整部电影中的所有空间结构，都在沿着时间线向历史延伸，关照日本民族的历史根性。繁华的东京大都市、历史悠久的名古屋、怡人的乡间风光和令人胆战心惊的废墟，在纵向上构成地质结构和文化发展的分层。其中的每一层都带着时代的积淀，一步一步地向着历史的最深处探寻。

再次回到影片海报中那一幕，当“门”第一次出现的时候，也是日本人第一次面对民族的根性问题。记得弗洛伊德曾经无数次提到过，人在面对过去、面对自我的过程中需要迈过自己的伤痕，而这往往需要巨大的毅力才能完成，民族更是如此。所以海报中的这一幕场景，可以看作是一种心理暗示，既是面对自我，也是面对民族的历史。

顺着这条历史的时间线，新海诚深挖到了日本的根性，并触及到日本人对于历史一以贯之的暧昧态度。铃芽触碰的镇石是历史的遗迹，也是日本历史的伤痛所在。当日本民族真正愿意回望灾难、回望历史的时候，才是解决历史遗留问题的开始。这其中，暗含着对日本民族性的批判，以及强烈的日本修正民族主义而非右倾纳粹主义的情绪。

新海诚亦真亦幻的独特空间美学，特别适合这个故事所追求的表达。说到底，《铃芽之旅》应该算是完全意义上的哲学心理暗示电影。它完全在暗示着日本人灾后的心态，并且想要以自己的方式为这种纠缠复杂的心态寻找解开的方法。影片中所有的堆叠，最终指向的都是全民族心理的恐惧和不可触碰，是他们心理外化的映照。

影片上映时机也非常好，恰好是又一次群体灾难的结束，可以说是应运而生。日本本土在去年11月上映后票房大爆，累计突破131亿日元，进入日本影史票房前十。该片在中国内地也已定档3月24日，十分值得走进影院观看。

作者| 我爱花生糖；公号| 看电影看到死

编辑| 骑屋顶少年；转载请注明出处

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